Christian Winther Christensen
Almost in G

In Samuel Becketts Roman "Watt", entstanden während des Zweiten Weltkrieges in Südfrankreich, wohin der Autor geflüchtet war, erhalten wir vom Titelhelden und Erzähler eine detaillierte und nachdrückliche Beschreibung der häuslichen Eigentümlichkeiten seines Dienstherrn Mr. Knott. Dieser, so erfahren wir, verändert täglich die Anordnung der »gediegenen und geschmackvollen« Einrichtung seines Zimmers: Am Dienstag befindet sich der Frisiertisch an einem anderen Platz als am Montag, und der Nachtstuhl, der Waschtisch und die Kommode verändern ebenso von Tag zu Tag ihre Position.

Gediegen und geschmackvoll, jedoch häufigen Neuanordnungen unterworfen – dieses becketteske Mantra geht mir durch den Kopf, während ich die Notizen überarbeite, die ich beim ersten Anhören von Christian Winther Christensens neuem Album niedergeschrieben habe. Es war ein ungewöhnlich milder Nachmittag im Spätherbst, als ich in einem eher unspektakulären Berliner Park auf einer Bank saß und in eine Welt hineinkatapultiert wurde, die in ihrer Detailliertheit, ihrer Präzision und ihrem klanglichen Ausdruck warm und vertraut anmutete und dennoch fundamental verändert erschien. Hier, in Christians Welt, einer unaufdringlichen Welt, die nicht lautstark um Aufmerksamkeit heischt, hier sind das Gediegene und das Geschmackvolle umarrangiert worden, um etwas vollkommen Neues zu schaffen.

Natürlich treffen wir auf Instrumente, die wir wiedererkennen. Mr. Knott hat einen Frisiertisch und einen Nachtstuhl, und hier haben wir – ja, genau, ein Klavier und eine Gitarre, auch eine Flöte und eine Klarinette. Aber sie sind geschmolzen und in völlig anderer Form wieder fest geworden, wie Schokolade, die man in die Hosentasche gesteckt und dort vergessen hat. Klangfarben finden sich in neuen Kombinationen zusammen und erschaffen eine mechanische Kreatur, die organische Verbindungen generiert. Metall auf Metall, die mannigfaltigen Eigenschaften der Streichinstrumente, das Klopfen, das Zupfen, die winzigen Querschläger, das Hämmern. Das Klavier ist so präpariert, dass es kein Orchester mehr ist, sondern sich wieder frohgemut der Perkussion widmen darf. Die Flöte ist nicht mehr Syrinx, die verwandelte Nymphe, sondern verausgabter, freigesetzter Atem, nicht wie ein Seufzer, eher wie ein Reifen, der ausgelassen und wieder aufgepumpt wird. Es ist nicht länger von Belang, ob man die Stimmen der Instrumente voneinander unterscheiden kann. Das hier ist eine Einpersonenkapelle, in der jedes Instrument organisch mit den anderen verbunden ist. Nicht mehr als die Summe ihrer Teile, aber mehr geworden durch die vollendete Sorgfalt und Akribie, mit der jeder einzelne dieser Teile gefertigt wurde.

Wenn die Futuristen Musik gemacht haben, die den Lärm der Stadt integriert und wiederspiegelt, dann ist dies Musik, die sich den Klang der (profanen) Arbeit zu eigen macht: den Klang des Schmirgelns und Schleifens, des Pumpens und Polierens, des Zusammenbruchs und des Wiederaufbaus. [...]

Zu den Ensembles und Orchestern, die seine Musik aufgeführt haben, zählen u.a. Ensemble Mosaik (DE), London Sinfonietta (UK), Curious Chamber Players (S), DissonArt Ensemble (GR), Ensemble Alternance (F), Arditti Quartet (UK), Silesian String Quartet (PL), Oslo Sinfonietta (N), Black Hair Ensemble (UK), Caput (IS), Interensemble (IT), Ensemble Aleph (F), Athelas Ensemble (DK), Figura (DK), Esbjerg Ensemble (DK) und Zoom (DK).

Seine Werke wurden bei einer Reihe von Festivals präsentiert, u.a. bei den Tagen für Neue Musik 2010, dem ISCM Festival Sydney 2010, dem Festival di Nuova Musica 2008, bei den Nordic Music Days, dem UNM Festival, SPOR, Athelas, Wundergrund, Suså und Musikhøst.

Christian Winther Christensen wurde mit dem Léonie-Sonning-Talentpreis und mit dem Schierbeck-Preis ausgezeichnet und erhält jährliche Stipendien vom dänischen Statens Kunstfond.

Beim SPOR Festival 2014 spielte das Ensemble SCENATET meine Komposition Nachtmusik [ohne eine aufdringliche Nachtstimmung]. Damals begann unsere Zusammenarbeit. Zwei meiner Stücke, die ich speziell für die Mitglieder des Ensembles geschrieben habe, wurden von SCENATET uraufgeführt: Chorale für acht Musikerinnen und Musiker, und Freunde für vier Personen in einem Kreis (dieses Stück ist nicht auf diesem Album enthalten, da es auf einem Tonträger kaum reproduzierbar ist).

SCENATET ist ein Ensemble, das meiner Musik in optimaler Weise entspricht: eine eng verbundene Gruppe, die sich Zeit für Details nimmt, und Musikerinnen und Musiker, die sich beherzt neuen Herausforderungen stellen, ob es dabei nun um die meisterliche Beherrschung ihrer Instrumente geht oder um gelegentliche Zusatzaufgaben, die sie zwingen, aus dem sicheren Versteck hinter ihrem Instrument hervorzukommen. Die auf diesem Album enthaltenen Kompositionen wurden mit großer Sorgfalt für genau dieses Ensemble ausgewählt.

Das erste Stück, Almost in G, ist ein kleines, detailreiches Stück, das beständig um die Tonalität von G kreist. Zu Anfang sind die Saiten des Klaviers vollständig mit einem Band abgedeckt, das im Verlauf des Stücks nach und nach entfernt wird. Am Ende ist es möglich, eine diatonische Skala über acht Saiten zu spielen, was sich anhört wie eine Miniaturharfe. Das nachfolgende Stück, Sextet, basiert auf einem Choral aus der frühen Renaissance. Chorale kann man als Synthese der zwei vorhergehenden Kompositionen hören, allerdings mit zwei Solisten: einer akustischen und einer elektrischen Gitarre. Die akustische Gitarre löst über ein Gate die Verstärkung der E-Gitarre aus, wodurch der Klang der beiden Instrumente sehr homogen wird. Das Klavier, in gewisser Weise der dritte Solist, fungiert ebenfalls als Auslöser für ein voreingespieltes Klavier. Diese Komposition basiert auf einem alten Duostück von mir, das für ein größeres Ensemble erweitert und instrumentiert wurde.

Trio, die älteste Komposition auf dem Album, basiert wie Sextet und Chorale auf alter Musik, wenn auch auf einer abstrakteren Ebene. Die Instrumente spielen in ständiger paralleler Bewegung, ein nahezu unmögliches Unterfangen.

Nachtmusik ist auf einer einzigen Dreiklangfigur aufgebaut. Es ist mit Almost in G verwandt, und die charakteristischen Schnitte, die sich durch das gesamte Stück ziehen, finden sich in beinahe allen Kompositionen auf diesem Album. Being Apu Sarkar ist Teil meiner Arbeit »The Documentation«, dessen Thema die Idee eines positiven Kannibalismus ist. Es ist als Ritual konstruiert und funktioniert als kleine intensive Kommunion. Es gibt mehrere Versionen dieses Stücks, die oft unabhängig von »The Documentation« gespielt werden. Für dieses Album habe ich natürlich meine Lieblingsversion ausgesucht, in der zwei der Instrumente in einem entfernten Raum gespielt werden. Die Four Hyper-Realistic Songs sind verwandt mit Chorale, nur noch verwegener. Sie basieren auf einem komplexen elektronischen System, in dem die voreingespielten Klänge akustischer Instrumente erst dann ausgelöst werden, wenn die Interpreten auf den realen Instrumenten Töne erzeugen. [...]